Intervista a Emanuele Dabbono: “Momenteria è il mio Nebraska, un disco in cui mi sono mostrato vulnerabile”

Intervista a Emanuele Dabbono, che racconta il nuovo album Momenteria, tra ricordi, autenticità e libertà creativa.

A quattro anni da Buona Strada, l’album prodotto da Tiziano Ferro, Emanuele Dabbono torna con Momenteria, il suo sesto lavoro discografico: sedici canzoni che rappresentano una nuova tappa nel percorso del cantautore genovese. Un progetto nato da un’esigenza profonda di libertà, nel quale ha scritto, suonato, registrato e prodotto tutto personalmente, senza ricorrere all’intelligenza artificiale.

Il risultato è un disco intimo e artigianale, attraversato da sonorità folk, strumenti suonati dal vivo e storie che affondano le radici nella memoria. Dai rapporti familiari alla paternità, dall’amore alla fragilità, le canzoni diventano un modo per fare pace con il passato e riconoscere la fortuna racchiusa nei piccoli momenti quotidiani.

In questa intervista, Dabbono racconta il significato di Momenteria, la scelta di esporsi senza filtri e il valore dell’imperfezione nella musica. Spazio anche al rapporto con le figlie, al ricordo del padre e alla storia straordinaria di Cerezo, fino all’incontro con Toninho Cerezo in occasione degli ottant’anni della Sampdoria.

Non mancano le riflessioni sul successo, maturate attraverso il lavoro da autore per Tiziano Ferro, e sulla collaborazione con Alfa per Il filo rosso, brano che continua a emozionare il pubblico e che gli è valso una nomination ai Siae Music Awards. Un dialogo in cui emerge l’immagine di un artista che, dopo tanti anni di musica, continua a cercare la verità delle emozioni e quella magia capace di sorprendere anche chi una canzone l’ha scritta.

Intervista a Emanuele Dabbono

Partiamo da Momenteria, il tuo sesto album, arrivato a quattro anni di distanza da Buona Strada, il disco prodotto da Tiziano Ferro. Hai definito questo nuovo progetto una sorta di rivoluzione personale e artistica. Che cosa rappresenta per te e perché sentivi che fosse arrivato il momento di realizzarlo in questa forma?

È una rivoluzione perché non avevo mai realizzato un disco così compiuto. So che quando intervisti un artista ti capita spesso di sentirgli dire che il nuovo album è il più bello della sua carriera, ma questa volta sento davvero di aver fatto qualcosa di diverso. Ho suonato tutto, registrato tutto e prodotto tutto da solo. Poi, per fortuna, Artist First ha deciso di pubblicarlo, quindi non mi sono ritrovato completamente solo nel percorso che ha portato il disco al pubblico.

Scrivere queste canzoni e immaginare una band, pur sapendo che avrei suonato personalmente ogni strumento, è stato un esercizio bellissimo. Se conosci Nebraska di Bruce Springsteen, ecco, per certi versi Momenteria è il mio Nebraska, ambientato tra la Valpolcevera e la Via Aurelia. Avevo bisogno di realizzare un disco in questo modo, perché sentivo che era arrivato il momento di essere libero, di seguire un’urgenza personale senza dover necessariamente passare attraverso un processo di lavorazione tradizionale.

Sono passati quattro anni da Buona Strada e in questo intervallo sembra essere cambiato non soltanto il tuo approccio sonoro, ma anche il modo di raccontarti. In Momenteria emerge una consapevolezza nuova, come se avessi trovato il coraggio di mostrare parti di te che in passato avevi preferito proteggere. Quanto sei cambiato in questi anni?

Ti ringrazio per questa osservazione, perché credo di essermi finalmente risolto in diversi aspetti. In passato avevo ancora molte paure, forse anche quella di mostrare il mio lato più intimo, più dolce, più umano. Ho sempre cercato di lasciare emergere qualcosa di me nelle canzoni, ma questa volta ho fatto un passo ulteriore.

Ho tirato fuori anche cose di cui mi vergogno. Credo che quando un artista trova il coraggio di raccontare la polvere sotto il tappeto, anziché limitarsi a mostrare quello che funziona o che lo fa apparire migliore, riesca in qualche modo a liberarsene. Dare un nome alle proprie fragilità significa anche smettere di esserne prigionieri.

E poi c’è un altro aspetto: magari, da qualche parte, qualcuno ascolta quella canzone e si sente finalmente compreso. Noi cantautori cerchiamo spesso questo riconoscimento, ma alla fine non è necessariamente qualcosa di complicato. Si tratta di raccontarsi senza veli, cercando di dire tutta la verità, nient’altro che la verità. Come in tribunale, insomma!

Hai immaginato e costruito da solo una band, dando forma a un suono che conserva la tua identità, ma che restituisce anche la sensazione di un gruppo che suona insieme dal vivo. Come hai lavorato agli arrangiamenti e in che modo sei riuscito a trasformare le tue idee in un progetto sonoro così coerente?

Io ho una band e i suoi componenti sono anche i miei migliori amici. C’è un violinista, ci sono la chitarra elettrica, il basso e la batteria: per me è stato abbastanza naturale immaginare loro mentre registravo, perché conosco la loro sensibilità e so come potrebbero interpretare determinate idee.

C’era però una cosa che mi infastidiva nel modo tradizionale di realizzare un album, e che avevo sperimentato anche nelle session a Milano. Spesso il batterista registra a novembre, il bassista a dicembre, il chitarrista arriva successivamente e così via. Ogni musicista porta la propria sensibilità, ma lo fa in un momento diverso, quando magari l’energia originaria della canzone si è già trasformata.

Con Momenteria è successo qualcosa di completamente diverso: scrivevo le canzoni mentre le registravo. Tutto nasceva da un’urgenza, da un’emozione che doveva trovare immediatamente una forma. Alcuni brani hanno richiesto pochissimo tempo, magari un paio d’ore dal momento in cui esisteva soltanto il silenzio fino alla canzone scritta, registrata e prodotta.

Questo metodo ha restituito al disco una dimensione molto più vicina alla musica suonata dal vivo. Non c’erano singoli individui che contribuivano in momenti differenti, ma un’unica visione che prendeva forma contemporaneamente. Per me è stato come srotolare un tappeto: tutto era già lì, pronto a rivelarsi. È stata un’esperienza meravigliosa.

Hai sottolineato più volte che Momenteria è stato realizzato senza alcun ricorso all’intelligenza artificiale. Hai espresso una posizione molto netta anche nei confronti di strumenti come Suno. In un’epoca in cui la tecnologia può generare canzoni, testi e arrangiamenti in pochi secondi, dove collochi il confine tra progresso e perdita dell’autenticità artistica?

Puoi dirlo forte: sì, non amo Suno. Credo che l’intelligenza artificiale possa essere molto utile quando viene applicata al progresso medico, quando aiuta a semplificare la burocrazia o quando permette di svolgere una ricerca in maniera più efficace. Non sono contrario al progresso in quanto tale. Il problema nasce quando pensiamo di poterle affidare anche il compito di veicolare le emozioni.

Soltanto noi sappiamo che cosa significa essere lasciati, subire un lutto, ricevere un torto o attraversare un dolore. Possiamo cercare di raccontare queste esperienze con le parole, con una melodia o con uno strumento, ma farci spiegare da una macchina come ci siamo sentiti mi sembra un peccato.

Penso a quando sono stato al Teatro degli Arcimboldi ad ascoltare i Sigur Rós, la band islandese, accompagnati da un’orchestra. In alcuni momenti si percepiva persino il tremore delle mani di un violoncellista sullo strumento. Quella fragilità era parte integrante della musica: era qualcosa di irriproducibile nella sua unicità.

Una macchina può creare il suono di un’orchestra, ma rischia di restituirci una rappresentazione perfetta e, proprio per questo, priva di una parte fondamentale della sua umanità. I ragazzi direbbero che è fake.

I dischi che amo di più sono spesso imperfetti. Magari c’è il volume di un amplificatore troppo alto, un riverbero che non è stato regolato alla perfezione, una voce che trema. Penso a Jackson Browne, a Bruce Springsteen e a tutta una tradizione musicale nella quale le sbavature non sono necessariamente errori da cancellare, ma elementi che contribuiscono a rendere una registrazione riconoscibile.

È proprio lì che mi emoziono, perché sento la presenza di una persona. Mi riconosco in quella musica. Non cerco la perfezione assoluta: cerco una storia, un respiro, qualcosa che mi faccia sentire che dall’altra parte c’è un essere umano.

Il ricordo sembra essere uno dei fili conduttori di Momenteria. Nelle tue canzoni la memoria diventa una forma di protezione, ma anche uno spazio in cui custodire gli istanti felici e ritrovare la forza per affrontare il presente. Come sei arrivato a questa consapevolezza e che rapporto hai oggi con il tempo che passa?

Credo che il ricordo sia una delle nostre armi per proteggerci dalla realtà. È una specie di macchina del tempo, proprio come possono esserlo le canzoni o i figli. Quando guardo le mie figlie, per esempio, mi sembra di tornare indietro: con loro ho imparato di nuovo a camminare, a scrivere, a correre, ma ho anche imparato a conoscere il dolore in una maniera diversa.

Mettere questi pensieri su carta mi ha aiutato a capire che il tempo è circolare. Ci sono esperienze che crediamo di aver lasciato alle spalle e che, invece, continuano a tornare, assumendo significati differenti. Non tutto quello che viviamo si perde.

Per questo penso che sia inutile inseguire continuamente un suono perché qualcun altro lo sta facendo. Tanto vale cercare il proprio, provare a realizzarlo nel modo più preciso possibile e riempirlo dei ricordi che hanno rappresentato gli highlights della nostra vita.

Immagino l’esistenza come una partita di calcio: ci sono momenti bellissimi e altri difficili, nei quali soffriamo. Non dobbiamo necessariamente dimenticare quelli dolorosi, ma possiamo scegliere di non lasciare che occupino tutto lo spazio. Possiamo tornare alle cose belle, ricordarci delle persone che abbiamo amato e delle esperienze che ci hanno fatto stare bene.

Credo anche che dovremmo imparare a riconoscere la fortuna che abbiamo. Viviamo in una parte del mondo nella quale, nonostante le difficoltà, abbiamo opportunità che altrove non sono scontate. Questo non significa negare i problemi o fingere che non esistano, ma ricordarci che ci sono tantissimi motivi per essere felici di essere al mondo.

Momenteria è un disco profondamente ottimista proprio per questo: quando hai dei bei ricordi ai quali appellarti, tutto il resto diventa più sopportabile.

In La stanza che non hai affronti il rapporto tra generazioni e le difficoltà che possono emergere durante l’adolescenza, mentre in Fiore selvatico racconti la paternità. Quanto è stato difficile esporti attraverso queste canzoni e mettere in musica sentimenti così personali, che riguardano anche il tuo rapporto con le figlie?

Sono due brani attraverso i quali ho svelato davvero tanto di me. In particolare, La stanza che non hai, che ho scritto pensando a mia figlia Claudia, è una canzone molto delicata per me.

Gestire l’adolescenza è difficilissimo, anche quando il rapporto con i propri figli è bellissimo. Si attraversano montagne russe emotive: ci sono momenti in cui ti senti potentissimo, pensi di aver trovato la chiave giusta per comunicare con loro, e altri in cui ti sembra di non essere nemmeno stato convocato alla partita nella quale speravi di giocare.

È un passaggio della vita nel quale devi imparare a riconoscere che i tuoi figli stanno diventando persone autonome, con un mondo interiore che non puoi conoscere completamente e che non puoi controllare. Devi trovare un modo per rimanere vicino a loro senza pretendere di essere sempre al centro di tutto.

Poi c’è Fiore selvatico, che affronta la paternità da un’altra prospettiva. Diventare padre significa assumersi una responsabilità enorme, ma anche scoprire quanto tu stesso abbia ancora da imparare. Le mie figlie mi hanno insegnato a guardare il mondo con occhi nuovi.

Per me espormi in queste canzoni ha significato accettare che non esistono risposte perfette. Ci sono soltanto relazioni da vivere, errori da riconoscere e momenti da custodire. E credo che raccontare anche le difficoltà, senza cercare di apparire un padre ideale, sia un modo per essere più sincero.

In Scuro racconti invece il rapporto con tua moglie attraverso dettagli quotidiani, piccoli episodi e situazioni persino ironiche. Perché hai sentito il bisogno di raccontare l’amore partendo proprio dalle imperfezioni e dalle cose apparentemente meno importanti?

Scuro è una canzone nella quale mi sento particolarmente vulnerabile, perché sono stato molto diretto. È dedicata a mia moglie e racconto anche cose che potrebbero sembrare insignificanti, come il fatto che non so stirare una manica, ma so farla ridere.

Per lei ho persino arbitrato una partita di pallavolo senza conoscere le regole. È una storia vera! A un certo punto mi sono chiesto: perché non raccontare anche questo? Perché non mostrare davvero l’essenza di quei piccoli momenti che, messi insieme, hanno costruito una storia importante?

Spesso pensiamo che per raccontare un grande amore servano dichiarazioni solenni, gesti straordinari o frasi memorabili. In realtà, la vita di una coppia è fatta anche di episodi buffi, di abitudini, di situazioni nelle quali ci si arrangia come si può.

Sono queste cose a rendere una relazione unica. Non devi necessariamente essere perfetto per essere una persona importante per qualcuno. A volte basta esserci, riuscire a far ridere l’altra persona, condividere una difficoltà o trovare un modo per affrontare insieme qualcosa che non conosci.

Credo che Momenteria abbia molto a che fare con questa idea: imparare a riconoscere il valore delle cose che normalmente rischiamo di dare per scontate.

Rispetto a Buona Strada, nel quale erano presenti anche il dolore e le questioni rimaste irrisolte legate alla scomparsa di tuo padre, Momenteria sembra avere una luce diversa. È come se avessi attraversato una tempesta e avessi finalmente trovato la possibilità di guardare indietro senza esserne travolto.

Sì, assolutamente. Nel disco precedente c’erano tormenti importanti. Penso a Cerezo, che era una lettera a mio padre, una canzone nella quale cercavo di dirgli tutte quelle cose che avrei voluto potergli dire quando era ancora vivo. C’erano tante parole non dette, rabbia e risentimento.

In Momenteria sento invece di aver raggiunto una pace diversa. Credo che anche la copertina lo suggerisca: c’è questo azzurro, il mare con i suoi riflessi, una sensazione che rimanda a qualcosa che si è finalmente calmato.

È come se la tempesta fosse passata. Questo non significa che il dolore sia scomparso o che i ricordi difficili non esistano più. Significa che possiamo provare a fare pace con quello che è successo, con le situazioni che ci hanno messo alle strette e con le parti di noi che non abbiamo mai completamente accettato.

A un certo punto devi trovare la forza di tirarti su, rimboccarti le maniche e ricominciare. Non puoi cambiare il passato, ma puoi cambiare il modo in cui lo porti con te.

Per me questo album è anche un tentativo di riconciliarmi con la vita, senza rinnegare nulla di quello che ho attraversato. Tutte le esperienze, anche quelle più dolorose, fanno parte della persona che sono diventato.

A proposito di Cerezo, il 13 novembre salirai sul palco in occasione della festa per gli ottant’anni della Sampdoria, con Toninho Cerezo presente. È una storia incredibile: hai dedicato una canzone a una figura legata alla tua infanzia e alla squadra del cuore, e lui ha voluto incontrarti personalmente. Che cosa hai provato quando è successo?

È stato uno dei momenti più assurdi e meravigliosi della mia vita. Toninho Cerezo ha voluto incontrarmi un paio di anni fa e, quando è successo, ero incredulo. Avevo scritto una canzone con il nome di un mio beniamino del passato, uno dei protagonisti della Sampdoria dello Scudetto, e quella canzone era arrivata fino a lui.

La cosa incredibile è che è stato proprio lui a cercarmi e a volermi incontrare. Non soltanto: mi ha anche offerto il pranzo! È una persona simpaticissima e ricordo quell’incontro con un affetto enorme.

Per chi ama il calcio, certi giocatori non sono soltanto atleti. Sono legati a momenti della vita, alle domeniche trascorse allo stadio, alla famiglia e a ricordi che ti accompagnano per anni. Io ho dedicato Cerezo a mio padre anche per questo motivo: il suo nome è legato alla Sampdoria, ma soprattutto a una parte della mia storia familiare.

Sapere che una canzone così personale abbia raggiunto la persona che le dà il titolo è stato un regalo inaspettato. Adesso poterla cantare davanti a lui, sul palco della festa per gli ottant’anni della Sampdoria, aggiunge un altro capitolo a questa vicenda.

A questo punto, la prossima volta scrivo una canzone intitolata Bruce Springsteen, così magari viene anche lui! (Ride, ndr).

Anche Momenteria, il singolo che dà il titolo all’album, sta vivendo una storia particolare grazie al sostegno di Tourism Ireland. Il videoclip è stato girato in Irlanda e la canzone è arrivata all’attenzione di una realtà importante nella promozione turistica del Paese. Che cosa significa per te vedere un progetto così personale trovare ascolto anche oltre i confini italiani?

È una cosa assolutamente incredibile. Momenteria è entrata nel cuore di Tourism Ireland e sono nate diverse possibilità di coinvolgimento in iniziative legate al territorio. Una delle notizie che mi ha fatto particolarmente piacere è che il brano viene trasmesso anche da Radio Dublino.

Non so esattamente che cosa capiranno del testo, visto che è in italiano, ma la musica si capisce benissimo! E credo che il carattere irlandese del brano possa arrivare anche senza comprendere ogni singola parola.

Per me sapere che una canzone nata in maniera così intima, partendo da ricordi personali e da un legame profondo con un luogo, riesca a superare i confini nazionali è motivo di enorme gioia.

L’Irlanda è un posto al quale sono legato da tanti anni. Mi ha sempre colpito la sua identità culturale, l’amore per gli strumenti tradizionali, per le storie raccontate nei pub e per quella musica che sembra appartenere a tutti. È un luogo nel quale mi sono sentito accolto e nel quale ho trovato una serenità particolare.

Il videoclip, inoltre, ha un significato ancora più speciale perché è stato girato da mia figlia Claudia, durante un viaggio che abbiamo fatto insieme. Questo lega per sempre la canzone a un’esperienza familiare che custodirò con grande affetto.

Quando la musica crea una connessione così profonda tra una persona e un luogo, e poi quel luogo restituisce qualcosa a quella persona, succede una piccola magia. È una delle cose che mi fanno continuare a credere nelle emozioni.

Nel tuo percorso hai conosciuto il successo anche attraverso il lavoro da autore, firmando canzoni importanti per Tiziano Ferro. Come Il conforto, Incanto, Lento / Veloce, Valore assoluto e Buona (Cattiva) Sorte. Che cosa ti ha insegnato questa esperienza sul mestiere di scrivere e sul rapporto tra talento, lavoro e riconoscimento del pubblico?

La collaborazione con Tiziano mi ha insegnato la lealtà, l’onore e l’amore per i dettagli. Mi ha fatto capire quanto il lavoro, quando viene portato avanti con entusiasmo e determinazione, possa condurti in luoghi che magari non avevi neppure immaginato.

Siamo spesso portati a pensare al successo come a una destinazione da raggiungere, come se bastasse impostare le coordinate su un navigatore per arrivare a una meta precisa. Ma forse la questione è un’altra: e se il successo fossi tu? Se fosse il tuo modo di lavorare, di crescere, di affinare quello che sai fare senza perdere la tua identità?

Nel mio percorso ho visto che una canzone può arrivare lontano attraverso strade completamente differenti. Incanto, per esempio, ha una matrice irish folk, mentre Buona (Cattiva) Sorte è nata al pianoforte ed è stata poi trasformata anche grazie al beatbox di Timbaland in un brano dal carattere dance molto più marcato.

Sono mondi differenti, eppure entrambi possono trovare il proprio spazio. Questo mi ha insegnato che non esiste una formula unica per scrivere una canzone efficace.

Credo che sia importante lavorare tanto, studiare, ascoltare e mettersi alla prova, ma anche sapere quando una situazione è quella giusta per te. Negli anni ho imparato a scegliere con maggiore attenzione i progetti ai quali partecipare, cercando contesti nei quali potessi offrire un contributo autentico.

Una delle collaborazioni più significative degli ultimi anni è quella con Alfa per Il filo rosso, una canzone che ha trovato un posto importante nell’immaginario del pubblico. Come è nato l’incontro con Andrea e che cosa vi ha permesso di trovare una sintonia così naturale, pur appartenendo a generazioni differenti?

Io e Andrea, che stimo tantissimo, ci siamo incontrati a Milano in studio dopo una sua telefonata. Mi disse che Incanto era una delle sue canzoni preferite e da lì è cominciato tutto.

Il giorno dopo ci siamo ritrovati a parlare degli Angeli del fango e, con due chitarre, è nata Il filo rosso. È stato un incontro molto naturale, nel quale non abbiamo avuto bisogno di costruire artificialmente una sintonia: abbiamo iniziato a parlare, a condividere riferimenti e a suonare.

Credo che ci siano canzoni che nascono proprio così, quando due persone riescono a riconoscersi in qualcosa che va oltre l’età o il percorso professionale. Le nostre esperienze sono differenti, ma esiste una sensibilità che ci ha permesso di trovare un terreno comune.

Il bello della musica è anche questo: puoi incontrare un artista che appartiene a una generazione diversa dalla tua e scoprire che avete molto più da dirvi di quanto immaginassi. Non devi necessariamente somigliargli; devi trovare qualcosa di vero da condividere.

Guardando al percorso di Il filo rosso, che continua a raggiungere il pubblico e a lasciare un segno, quale pensi sia il segreto di una canzone capace di superare le classifiche e resistere alla velocità con cui oggi consumiamo la musica?

Credo che la genuinità riesca sempre a mettere in discussione le regole del mercato. Quando è uscita Il filo rosso, in classifica c’erano anche brani appartenenti a mondi musicali molto differenti. Insistere su quella storia, su quella melodia e su un tempo in tre quarti poteva sembrare una scelta anacronistica.

Eppure, forse proprio questa diversità ha contribuito a darle una sua identità. Non abbiamo cercato di inseguire una formula, ma di raccontare qualcosa nel modo in cui sentivamo che dovesse essere raccontato.

Non so se esista davvero un segreto per scrivere una canzone destinata a durare. Se lo conoscessimo, probabilmente saremmo tutti lì a cercare di riprodurlo. Penso invece che ci siano brani capaci di arrivare alle persone perché contengono una storia, una melodia e un’emozione nelle quali qualcuno riesce a riconoscersi.

Le canzoni buone, quelle che hanno qualcosa da dire, possono trovare il loro momento. Non sempre accade immediatamente e non sempre è possibile prevederlo. Ma credo che valga la pena continuare a scriverle senza farsi condizionare troppo da ciò che il mercato considera opportuno in un determinato momento.

Nel corso degli anni sei passato dal terzo posto nella prima edizione italiana di X Factor al successo come autore, attraversando diverse stagioni dell’industria musicale. Oggi come vivi il rapporto con la popolarità? Quanto è cambiata la tua idea di successo rispetto agli inizi?

Non posso nascondere che il successo abbia risolto alcune situazioni concrete, a cominciare da quella economica. Il lavoro da autore mi permette di vivere della mia musica e di concedermi una libertà che altrimenti sarebbe più difficile da sostenere. Mi ha dato la possibilità di realizzare un disco come Momenteria, seguendo le mie esigenze senza dover necessariamente cercare una soluzione commerciale per ogni scelta.

Però negli anni ho capito che il successo, da solo, non risolve i problemi personali. Se hai una questione irrisolta con te stesso o un rapporto difficile con un familiare, il successo non la sistema. Anzi, a volte può amplificare le difficoltà, perché porta con sé invidie, solitudine e situazioni nelle quali diventa complicato capire quali siano le vere intenzioni delle persone.

Quando cominci a ottenere determinati risultati, devi imparare a distinguere chi è interessato a te e chi, invece, è interessato ai dischi di platino appesi ai muri o a quello che potrebbe ottenere avvicinandosi a te.

È una croce e una delizia, non posso negarlo. Non mi lamenterei mai di avere avuto delle opportunità importanti, perché sarebbe ingiusto. Ma bisogna essere consapevoli che la popolarità modifica il modo in cui gli altri ti guardano.

È come se ti attribuissero dei superpoteri che non possiedi. In realtà sei una persona come tutte le altre, con le tue fragilità, i tuoi dubbi e i tuoi problemi. Semplicemente, fai un lavoro che ti mette maggiormente sotto i riflettori e che porta gli altri a conoscere molte più cose di te.

Pensa a Tiziano, o ad artisti come Alfa, che vivono una popolarità enorme. Per quanto possa essere diverso il livello di esposizione, credo che il problema di fondo sia lo stesso: riuscire a conservare una quotidianità, uno spazio personale e relazioni nelle quali non sei soltanto l’artista che gli altri conoscono.

A proposito di riconoscimenti, Il filo rosso ti ha portato anche una nomination ai SIAE Music Awards, nella cinquina dei candidati. Che valore ha per te questo risultato, soprattutto considerando il percorso che hai costruito nel tempo senza rinunciare alla tua libertà di scelta?

Sono contentissimo, perché è la prima volta che mi capita di essere nominato ai SIAE Music Awards. Essere nella top five dei candidati è già una soddisfazione enorme.

Anche se non dovessi vincere, per me sarà un grande onore poter percorrere quel red carpet ed essere agli Arcimboldi il 21 novembre. Lo considero anche una specie di medaglia per tutti gli anni che ho dedicato a questo mestiere, cercando di lavorare con la massima onestà.

Non ho mai voluto vendere fumo negli occhi a nessuno. Ho sempre cercato di dire la mia verità, qualunque essa fosse, e di partecipare ai progetti nei quali sentivo di poter dare un contributo efficace.

Non ho bisogno di essere presente in mille session o di scrivere canzoni in continuazione soltanto per dimostrare di esserci. Preferisco scegliere con attenzione le situazioni nelle quali posso esprimermi davvero, trovare un clima umano e creativo adatto e mettere qualcosa di mio nel lavoro.

Credo che questa libertà sia evidente anche in Momenteria. È un disco nel quale ho seguito il mio istinto, la mia curiosità e la mia passione per la musica, senza cercare di adattarmi a un modello prestabilito.

Hai parlato di libertà, ma anche della necessità di commuoverti mentre scrivi. Dopo tanti anni di carriera, tra il percorso da cantautore, le esperienze televisive e i successi ottenuti come autore, che cosa deve ancora succedere perché tu possa dire che una canzone è davvero riuscita?

Ti ringrazio per quello che mi hai detto, perché mi riempie di gioia. Per me il metodo di giudizio più importante, quando scrivo una canzone, è capire se riesce ancora a commuovermi.

Mi è capitato diverse volte con i brani di Momenteria di ritrovarmi con gli occhi lucidi, nonostante conoscessi ogni parola, ogni nota e ogni passaggio. Sapevo perfettamente che cosa sarebbe successo, perché ero stato io a scrivere e registrare tutto, eppure l’emozione riusciva ancora a sorprendermi.

È una sensazione bellissima. La musica ti prende alle spalle, magari dietro una curva, quando non te lo aspetti. E tu ti ritrovi a chiederti: che cosa sta succedendo? Perché mi sto emozionando ancora, anche se conosco questa canzone così bene?

Quando succede, penso che dentro ci sia qualcosa che non riesco a spiegare completamente. Mi viene da chiamarla magia.

È questo che cerco ancora oggi: non soltanto una canzone ben costruita, un arrangiamento efficace o un risultato che possa essere riconosciuto dagli altri. Cerco qualcosa che riesca a sorprendermi, che mi faccia sentire di aver toccato una verità e che, magari, possa arrivare anche a qualcun altro.

Se dopo tanti anni riesco ancora a provare questa sensazione, allora sento di essere nel posto giusto.

Per concludere, se dovessi individuare una cosa che Momenteria ti ha insegnato su te stesso e sul tuo modo di stare al mondo, quale sarebbe?

Che non bisogna avere paura di mostrarsi per quello che si è. Per molto tempo ho pensato che fosse necessario proteggere alcune parti di me, magari quelle più fragili o quelle che avrei preferito non far vedere agli altri.

Con questo disco ho capito che, invece, proprio quelle parti possono diventare il punto di contatto più forte con chi ascolta. Raccontare le proprie imperfezioni non significa essere deboli, ma provare a essere sinceri.

Dopo tanti anni continuo a vivere di musica e questo, per me, è già un risultato straordinario. Ho avuto la possibilità di scrivere canzoni per altri artisti, di vivere esperienze importanti e di incontrare persone che hanno lasciato un segno nella mia vita. Ma oggi sento soprattutto il bisogno di continuare a fare quello che amo, senza perdere il contatto con ciò che mi emoziona davvero.

Momenteria è il disco più vivo e riuscito che abbia mai realizzato. Adesso non vedo l’ora che le persone lo ascoltino e lo completino con le proprie emozioni. Perché una canzone, quando esce dalle mani di chi l’ha scritta, non appartiene più soltanto a chi l’ha creata: diventa anche parte della vita di chi la ascolta.

Simone Zani

Giornalista, speaker radiofonico, musicista e collaboratore di diverse testate nazionali e internazionali. Segue come inviato il Festival di Sanremo dal 1999 e l’Eurovision Song Contest dal 2014 oltre a numerose altre manifestazioni musicali e sportive. Ha realizzato oltre 10.000 interviste con personaggi del mondo della musica, dello sport e dello spettacolo. Nel 2020 ha pubblicato il romanzo “La Festa di Don Martello”, nel 2022 “Galeotto fu il chinotto” e “Al primo colpo non cade la quercia”, nel 2025 “Ride bene chi ride ultimo” e nel 2026 “Finchè vita sarà”.